Ángel Tavira Maldonado RIP(1925-2008)

El músico mexicano Ángel Tavira Maldonado, ganador del premio al Mejor Actor (2006) en el Festival de Cine de Cannes, Francia por la película El Violín, falleció a los 83 años, víctima de complicaciones por una infección en las vías urinarias.

El intérprete de Don Plutarco, en el multipremiado filme del director Francisco Vargas, murió alrededor de las 8 horas de este lunes en el hospital de especialidades Belisario Domínguez, de esta capital.

De acuerdo con su primo Alfonso Tavira, con el apoyo de Elena Cepeda, titular de la Secretaría de Cultura, se pretende trasladarlo a Corralfalso, en donde residía, para después llevarlo a Ajuchitlán del Progreso, Guerrero, donde sus restos serán velados.

Tavira, quien sin conocimientos a nivel histriónico alcanzó el título de Mejor Actor en la categoría Un Certain Regard (Una cierta mirada) dentro del que se considera es el festival de cine más prestigioso a nivel mundial, fue internado el pasado 22 de junio en un hospital de Iguala, Guerrero, a causa de una infección en las vías urinarias.

Ese mismo día, un grupo de paramédicos lo trasladaron de emergencia al Distrito Federal para ingresarlo al área de terapia intensiva del citado nosocomio.

En el lugar, especialistas informaron a su viuda, Elpidia Diego Rosales que el también campesino, no resistiría el tratamiento con el que intentaban controlarle la infección pues debido a la operación, la diabetes que padecía alcanzó grados máximos.

En la película El Violín, Ángel Tavira dio vida al músico Don Plutarco, quien junto a su hijo Genaro y su nieto Lucio apoyan al movimiento guerrillero campesino contra el gobierno opresor de su estado.

Nació en Corralfalso, Guerrero el 3 de julio de 1924. Descendió de una importante estirpe de músicos tradicionales fundada por su abuelo, Bartolo Tavira, a finales del siglo XIX. Empezó a tocar el violín a los seis años y no tardó en convertirse en un músico experto.

A los 13 años, su vida cambió radicalmente al perder la mano derecha en un accidente. A pesar de todo, siguió haciendo lo que más le gustaba en la vida: tocar el violín. Entre sus muchas ocupaciones don de destacar la de granjero, músico, profesor de colegio y de instituto.

A los 60 años se matriculó en el Conservatorio de Música de Morelia para estudiar transcripción de partituras con el fin de salvar la música tradicional. Fue director del grupo Hermanos Tavira Band, una de las pocas agrupaciones musicales que se preocupa por salvaguardar la música tradicional.

Su primera experiencia con la cámara fue en el documental Tierra Caliente. Se Mueren los que la Mueven, que cuenta la historia de Don Ángel y sus esfuerzos por proteger la herencia musical de su comunidad, Tierra Caliente, estado de Guerrero.

A Tavira le sobreviven su esposa Elpidia Diego Rosales, así como sus hijos Yolanda, Margarita, Daniel, Luis, Ricardo y Leticia.

Ruslana Korshunova RIP(1988-2008)

Una modelo prominente falleció el sábado al caer del noveno piso de su apartamento en Manhattan, dijeron varios informes de prensa que consideraron la caída como un posible suicidio.

Ruslana Korshunova, de 20 años, murió alrededor de las 14:30 al caer de un edificio en Water Street, en el distrito financiero de Manhattan, afirmaron los periódicos The New York Post, Daily News y Newsday. Los diarios citaron funcionarios y policías sin identificarlos.

La policía dijo que investigaba la caída. La agencia de Korushnova en Nueva York y una vocera de los médicos forenses no respondieron de inmediato a mensajes telefónicos.

Originaria de la ex república soviética de Kazajastán, la modelo de ojos almendrados y cabello sedoso apareció en avisos comerciales y en pasarelas de diseñadores como Marc Jacobs, Nina Ricci y DKNY. La revista británica Vogue la describió en el 2005 como "un rostro para entusiasmarse".

La joven engalanó las portadas de revistas como Elle, en Francia y la edición rusa de Vogue.

Korshunova, una belleza de ojos verdes, conocida como "La Rapunzel Rusa" por su largo cabello, trabajaba para la agencia de modelos elite IMG, donde laboran varias de las más cotizadas modelos del mundo como Heidi Klum y Kate Moss.

La modelo estaba a unos días de cumplir 21 años.

George Carlin RIP(1937-2008)

El humorista George Carlin, héroe de la contracultura y célebre por sus bromas sobre las drogas, las palabrotas y la decadencia de la humanidad, ha fallecido en Santa Mónica (EE UU), tras sufrir un infarto de miocardio.

Carlin ya había padecido problemas coronarios y había padecido adicción a las drogas. El cómico falleció en el Saint John’s Health Center hacia las seis de la tarde, hora local, tras ser ingresado al sufrir dolores en el pecho, según un portavoz del centro médico.

A lo largo de casi medio siglo de carrera, Carlin había conseguido la fama gracias a su afilado sentido del humor, que lo había convertido en un destacado azote antiestablishment en los setenta. Calvo y barbudo, su imagen se hizo inconfundible. Sus monólogos solían estar salpicados de referencias a las drogas y popularizó el número Seven words you can never say on televisión (Siete palabras que nunca puedes decir en televisión).

Un renegado social

Como su predecesor Lenny Bruce o su colega Richard Pryor, Carlin se convirtió pronto en un renegado social a finales de los años sesenta. A finales de la década siguiente, en 1978, sus bromas radiofónicas llevaron su programa ante el Tribunal Supremo (en el caso Federal Communications Commission contra Pacifica Foundation). Un alto tribunal sentenció que los números de Carlin eran indecentes y que el regulador gubernamental de la radiotelevisión podía prohibir su emisión en horario infantil.

Carlin recibió varios premios Grammy a lo largo de su carrera y seguía activo dentro del circuito. De hecho, actuó en Las Vegas el mes pasado, según su representante, y en noviembre iba a recibir el prestigioso premio Mark Twain, concedido por el centro John F. Kennedy.

Su especialidad humorística giraba en torno a un tema central: la humanidad es una especie maldita y condenada. “No tengo creencias ni lealtades. No creo en este país, no creo en la religión ni en dios, y no creo en todas esas ideas institucionales creadas por el hombre”, señaló en 2001 en una entrevista a Reuters. Carlin esperaba llegar a un más allá desde donde poder ver la decadencia de la civilización desde una “CNN celestial”, según señaló en una entrevista a Playboy hace tres años.

Stan Winston RIP(1946-2008)

Stan Winston, el pionero creador de efectos visuales detrás de las fantásticas creaturas de cintas como Aliens, Terminator 2 y Parque Jurásico, falleció a los 62 años. Murió mientras dormía el 15 de junio, finalizando una batalla de 7 años contra el mieloma múltiple, una forma de cáncer de la médula ósea.

Nacido el 7 de abril en Arlington, Virginia, Stan Winston llegó a Hollwyood a finales de la década de los sesenta con sueños de ser actor. Al no encontrar trabajo como tal, ingresó a los estudios Walt Disney como aprendiz de maquillaje.

A inicios de los ochenta el modesto estudio de efectos visuales creado por Winston logró saltar a la fama gracias a la colaboración con el director James Cameron en la cinta de 1984 The Terminator, en donde su mayor contribución puede apreciarse en la creación del esqueleto metálico del robot exterminador. La mancuerna sería beneficiosa para ambas partes, y con la siguiente cinta de Cameron, Aliens, Stan Winston ganó su primer Óscar a Mejores Efectos Visuales.

De ahí en adelante, la mayoría de las cintas de fantasía más importantes de los ochenta y los noventa reclutaron a Stan Winston y su habilidad para crear creaturas memorables y convincentes efectos visuales, antes de que los efectos por computadora fueran la norma. Creó a uno de los icónos del cine de ciencia ficción, el alienígena que caza por deporte en Depredador, de John McTiernan. Contribuyó a la apariencia de El Pingüino en Batman Regresa, así como en la mayoría de los muñecos animatrónicos de Parque Jurásico. Regresó a trabajar en gran escala con James Cameron en Terminator 2: El Juicio Final.

También tuvo in esfuerzo como director, con la cinta Pumpkinhead, de 1989, que si bien no tuvo mucho éxito en su momento se ha convertido en una cinta de culto.

Pese a los avances en la tecnología y la creciente tendencia a utilizar efectos especiales generados por computadora, cuando existía la necesidad de efectos tradicionales, a menudo más realistas que lo que las computadoras pueden ofrecer, usualmente se recurría a Stan Winston. Prueba de ello es que en pleno 2008, cuando hay películas enteras creadas por computadora, uno de sus últimos créditos fue la reciente cinta Iron Man.

Para Winston, quien deja un legado sólo comparable con el de su ídolo, Ray Harryhousen, su trabajo en la creación de efectos visuales era una empresa artística: "Para bien o para mal, me considero un artista, y considero el trabajo que hago un arte. Al ayudar a contar historias creando estos personajes, me veo como un actor. No soy un técnico. Soy tecno-ignorante, pero me encanta crear personajes y contar maravillosas historias."

Cintas seleccionadas en las que participó en efectos especiales o maquillaje

Iron Man (2008) (efectos especiales)
Big Fish (2003) (director de efectos especiales)
Terminator 3: Rise of the Machines (2003) (muñecos animatrónicos)
Jurassic Park III (2001) (dinosaurios)
Artificial Intelligence: AI (2001) (diseño de animatrónicos y de personajes)
Small Soldiers (1998) (efectos especiales y animatrónicos)
The Island of Dr. Moreau (1996) (maquillaje de creaturas)
Terminator 2: Judgment Day (1991) (maquillaje especial)
Batman Returns (1992) (productor de efectos y maquillaje de El Pingüino)
Predator 2 (1990) (efectos especiales)
Predator (1987) (efectos especiales)
Aliens (1986) (creador de efectos de los extraterrestres)
The Thing (1982) (efectos de maquillaje)
Edward Scissorhands (1990) (efectos de las manos de tijera y maquillaje)
The Terminator (1984 (creador de efectos del exterminador)

Emilio Oscar Rabasa RIP(1924-2008)

Emilio Óscar Rabasa murió el día de hoy a los 84 años de edad aproximadamente a las 14:00 horas, víctima de un paro cardiovascular derivado de un problema pulmonar.Le sobreviven su esposa Coqui Gamboa y los hijos Emilio, Beatriz, Rafael y Ricardo.Emilio O. Rabasa, esta siendo velado en la funeraria de Gayosso en Félix Cuenvas y sus restos serán cremados el día de mañana.Rabasa de profesión licenciado constitucionalista, fue secretario de Relaciones Exteriores de 1970 a 1975 durante la administración del presidente, Luis Echeverría y embajador de México en Washington durante el gobierno del presidente norteamericano, Richard Nixon. También fue articulista y autor de varias obras entre las que destacan "Historia de las Constituciones Mexicanas", "El Pensamiento Político del Constituyente" y su más reciente libro fue "El Derecho Ambiental".Asimismo, destacó en el área académica siendo director secretario del doctorado de la Facultad de Derecho de la Universidad Nacional Autónoma de México.Además participó en la fundación de la Facultad de Ciencias Políticas y Sociales de la UNAM.

Otilia Vargas Vargas RIP(1924-2008)

La maestra chilena, Otilia Vargas, que perdió cinco hijos durante la dictadura de Augusto Pinochet (1973-1990), falleció este sábado a los 83 años, a causa de un paro cardiorrespiratorio, informaron hoy sus familiares. Considerada una figura emblemática entre los luchadores a favor de los derechos humanos en Chile, Otilia Vargas fue además un activa resistente en los primeros años del régimen de facto, con un trabajo clandestino entre 1973 y 1976, período caracterizado por una cruenta represión contra los opositores. Su hijo Dagoberto Pérez Vargas, miembro de la Comisión Política del Movimiento de Izquierda Revolucionaria (MIR), murió en combate contra las fuerzas represivas en octubre de 1975 en la localidad de Malloco, al suroeste de Santiago. Dagoberto Pérez fue sepultado en el Cementerio General de Santiago, pero en una fecha no determinada su cadáver fue desenterrado y hecho desaparecer. El año anterior, sus hijos Carlos y Aldo habían sido detenidos por la DINA, la policía secreta de la dictadura, y desde entonces integran las listas de detenidos desaparecidos. En febrero de 1976 otros dos hijos de Otilia Vargas, Iván y Mireya, que eran mellizos, cayeron en un enfrentamiento con las fuerzas represivas en el sector santiaguino de La Florida. Iván murió en el sitio del combate, mientras la joven, según testigos, fue capturada con vida y llevada a "Villa Grimaldi", el más conocido campo de prisioneros de la DINA, donde fue torturada hasta la muerte por los agentes del organismo. Posteriormente Otilia Vargas, junto a su esposo, Osvaldo Pérez y Patricia, su única hija superviviente, abandonaron Chile y se exiliaron en Cuba, de donde regresaron en 1992 para integrarse a la lucha judicial junto a los familiares de las más de 3 mil víctimas de la dictadura. Otilia Vargas, cuyo esposo falleció hace cuatro años, dejó como testimonio el libro "La dictadura me arrebató cinco hijos", en el que relata la dramática experiencia de su familia y lo que significó la represión contra la oposición chilena durante el régimen de Pinochet. La familia indicó que el funeral de Otilia Vargas tendrá lugar mañana, en un cementerio del sector de La Florida.

Esbjörn Svensson RIP(1964-2008)

La noticia ha caído como un jarro de agua fría. Esbjörn Svensson, de 44 años, murió el pasado domingo 15 de junio, mientras practicaba buceo en la isla de Ingarö, cercana a Estocolmo. El jazzista sueco fue rescatado de las aguas con vida y trasladado de urgencia a un hospital donde falleció. Las reacciones ante esta muerte abrupta no se han hecho esperar. Para Burkhard Hopper, manager del fallecido pianista y compositor, existía "una cierta mística en torno a su música. Svensson era musicalmente la luz que iluminaba al mundo porque lo que hizo fue romper barreras". Hopper ha anunciado la apertura de una investigación policial en torno a las circunstancias de la muerte.

Svensson saltó a la fama con EST (formalmente, Esbjörn Svensson Trio), un trío de jazz sui géneris cuya música bebe de múltiples fuentes: "Estamos inspirados por la música afroamericana, por supuesto, pero también por la música clásica europea, por la música electrónica, el pop, el rock and roll..., si alguien piensa que no es jazz, por mí vale, y si piensa que sí, pues también".

EST -el primer grupo de jazz europeo en ocupar la portada de la revista Down Beat- venía a ofrecer una media de más de 100 conciertos al año por todo el mundo y, aunque las cifras ya no son como las de antes, las ventas de sus discos superaban a las de cualquier agrupación o solista de jazz conocidos, con muy pocas excepciones. También en nuestro país: "Se supone que porque venimos del Norte deberíamos ser fríos o cerebrales, pero no hay más que escucharnos para darse cuenta de que no somos así. ¡También los vikingos sabemos hacer música caliente!".

En diciembre de 2007, Esbjörn convocó a los medios de comunicación de toda Europa a las oficinas de la compañía que distribuye sus discos en la ciudad alemana de Hamburgo. El motivo era la presentación del álbum grabado por su trío en la susodicha urbe. Uno tras otro, fueron pasando los representantes de la prensa y la radio francesa, sueca, danesa..., en el momento de recibir a quien esto suscribe, era ya noche cerrada. La entrevista, que comenzó, como las restantes, en un despacho habilitado al efecto, terminó en el taxi que llevaba al pianista de vuelta al hotel para su diaria ración de Glenn Gould interpretando a Bach.

Semejante situación ciertamente insólita sirvió al jazzista para recordar la primera vez que EST tocaron en Madrid: en un club, un domingo por la tarde-noche, ante una docena escasa de espectadores; días después de la entrevista volverían a hacerlo, en un céntrico auditorio de la ciudad, con el aforo totalmente vendido y un rosario de seguidores mendigando a las puertas del recinto una entrada por caridad. Para el líder del trío (aunque no se reconociera como tal), la explicación a semejante éxito era muy sencilla: "No existe ningún otro trío en ningún lugar del mundo como EST. Ni en América, ni en Japón, ni en Suecia o en España va nadie a encontrar otro EST. Si quieres escuchar a EST, tienes que escuchar a EST".

Los ecos de la entrevista publicada en este mismo periódico llevaron a que la gira de EST prevista para el próximo mes de noviembre se ampliara en varias fechas, además del concierto que el grupo tenía programado este mes de agosto, en la localidad alicantina de Xàbia, con ocasión de su festival de jazz. A mayor abundamiento, el trío iba a presentar nuevo disco, Leukocyte, el duodécimo en su carrera: "Esbjörn estaba muy contento con el resultado", ha puntualizado Hopper.

Queda la incógnita acerca del futuro de quienes compartieron con el pianista y compositor más tiempo que sus propios hijos, sus compañeros de trío, Dan Berglund (contrabajo) y Magnus Öström (batería): "EST somos como un matrimonio que lleva demasiado tiempo juntos. Hemos madurado juntos, nos hemos divertido juntos y sabemos cómo hacer cuando nos enfadamos. Quizá deberíamos tocar algo menos en el futuro".

Esbjörn Svensson ha fallecido: comienza la leyenda.

Mario Rigoni Stern RIP(1921-2008)

Stern, que nació el 1 de noviembre de 1921 en la localidad alpina de Asiago, se dio a conocer con esa novela autobiográfica en la que narraba los sucesos acaecidos en la campaña de Rusia durante la II Guerra Mundial, de la que fue uno de los pocos supervivientes italianos.

El escritor se enroló en el Ejército -donde llegó al grado de sargento-, combatió contra el Ejército del III Reich, fue hecho prisionero por los alemanes y pasó dos años en un campo de concentración hasta que, al finalizar la guerra, logró volver a su casa caminando.

La obra 'Il sergente nella neve' fue publicada, con la ayuda del escritor italiano Elio Vittorini, en 1953 y se convirtió en un clásico de la literatura contemporánea italiana.

Stern, que tras su regreso de la guerra permaneció afincado en su pueblo natal donde se casó y tuvo tres hijos, escribió entre otras obras 'Il bosco degli urogalli' (1962), 'La Storia di Tonle' (1978), 'L'anno della vittoria'(1985), 'Le stagioni di Giacomo (1995), 'Tra due guerre e altre storie' (2000) y 'Stagioni' (2006).

El autor, que trabajó también como periodista para el diario turinés 'La Stampa', fue enterrado en un acto en el que tan sólo estuvieron presentes su mujer y sus hijos, que informaron del fallecimiento después del sepelio en conformidad con la voluntad del escritor.

Adam Ledwon RIP (1974-2008)

El ex internacional polaco Adam Ledwon, de 34 años, fue encontrado muerto el miércoles en su casa de Klagenfurt, al parecer a causa de un suicidio. El cuerpo sin vida del centrocampista fue descubierto por Patrick Wolf, su amigo y compañero del Austria Carintia, donde jugaba como centrocampista desde 2007.

La policía no ha comentado por el momento la causa de su muerte. El presidente del club, Mario Conori, dijo a la agencia APA que su muerte "es una pérdida humana irreparable" y que tenía la impresión de que en los últimos tiempos el jugador estaba conmocionado emocionalmente.

Desde el punto de vista deportivo, "Adam siempre fue una elemento de integración y un ejemplo para la juventud", agregó Canori. También precisó que el polaco había recibido recientemente una oferta interesante del club austríaco Admira Schwadorf, pero que la rechazó para quedarse otro año en el Austria Carintia.

Ledwon nació el 15 de enero de 1974 en Olesno (Polonia) y poseía también la nacionalidad alemana. Comenzó a jugar en el equipo de primera división de su país Kattowice (1991-1997) y después para los alemanes Bayer Leverkusen (1997-1999) y Fortuna Colonia (1999-2000), antes de ir al austríaco Viena Austria.

Tras pasar por los equipos Admira Viena Admira (2000-2003) y Sturm Graz (2005-2007), se fue al Austria Carintia, donde jugaba de centrocampista y gozaba de gran simpatía entre la afición local.

Dino Risi RIP(1917-2008)

Dino Risi ha fallecido en Roma a los 91 años. Su carrera como director cinematográfico se centró en la comedia de costumbres o en la sátira social, elementos fundamentales del género más popular e interesante del cine italiano de posguerra, la llamada comedia a la italiana.

Entre sus 80 títulos pueden encontrarse algunas de las alhajas de este género: El signo de Venus (1955), con Sophia Loren; El viudo (1959) y Una vida difícil (1961), con Alberto Sordi; La escapada (1962), y Perfume de mujer (1974), con Vittorio Gassman, pero también sus episodios en Monstruos de hoy (1963) o Los complejos (1965), filmes que revelan con buen humor algunos vicios y virtudes de los italianos que vivían el boom económico de los años sesenta, aunque Risi también echó una ojeada a épocas pasadas, como en la magnífica La marcha sobre Roma (1963), donde unos pícaros, Vittorio Gassman y Ugo Tognazzi, se afilian al partido de Mussolini más por hambre que por convencimiento.

Se decía de Dino Risi que era un termómetro de la sociedad italiana y que no surgían en ella elementos nuevos, costumbres o expresiones que él no recogiera en sus películas. Capacidad de observación que quizás le viniera de sus estudios de psiquiatría en la Universidad de Milán, carrera que cambió pronto por la del cine, escribiendo guiones para directores de la talla de Alberto Lattuada o Mario Monicelli. Tanto Ana (1951), melodrama con Silvana Mangano y Raf Vallone que obtuvo un gran éxito popular, como Totò y el rey de Roma (1951), una de las primeras excelentes películas de Monicelli, dan prueba de ello. Monicelli, considerado el padre de estas comedias, fue uno de aquellos jóvenes de talento que entendieron que el neorrealismo, que se basaba en la propia realidad, también podía inspirarse en las novelas picarescas o en el cine cómico norteamericano de la época muda, y comentar desde la farsa o la caricatura cuanto ocurría alrededor. Dino Risi aprendió de él, como tantos otros cineastas de aquel momento, Mario Monicelli, Steno, Pietro Germi...

Las primeras películas de Risi fueron documentales en los que dejó claras sus preocupaciones básicas: Barboni (1946), donde hablaba de los mendigos de Milán, y El suero de la verdad (1951), sobre extravagantes experimentos psiquiátricos. Su primer largometraje de éxito, Pobres pero bellos (1956), se centraba en las actitudes de unos jóvenes romanos ante el llamado Estado de bienestar, saga que continuó en Bellos pero pobres (1959) y Pobre y millonario (1959), componiendo con ellos un retrato pesimista sobre la nueva Italia, que culminó con La escapada (1962), estrenada en medio mundo, y aún hoy película de culto. En este sentido, quizás su obra maestra sea Una vida difícil (1961), crónica de la historia italiana desde la Segunda Guerra hasta el boom económico a través de las vicisitudes de un singular periodista de izquierdas muerto de hambre, genialmente interpretado por Alberto Sordi.

Entre los éxitos internacionales de Dino Risi hay que señalar Perfume de mujer (1974), narración del viaje de un iracundo militar ciego acompañado de un cadete, que fue candidata a dos Oscar, que finalmente no obtuvo, aunque sí premios en festivales, algunos de ellos para su actor principal Vittorio Gassman, y sobre la que Hollywood hizo una nueva versión en 1992, que esta vez le valió el Oscar a su protagonista, Al Pacino. Sin escamotear elogios a la versión norteamericana, la de Dino Risi fue insuperable. Maestro Risi, uno de los últimos supervivientes de aquel cine italiano que se hacía para el gran público, y que ahora es estudiado por historiadores y universidades como joyas de la cinematografía.

Foca Monje del Caribe RIP(2008)

La foca monje del Caribe se ha extinguido. Los seres humanos que cazan a esa dócil criatura para investigación o alimentación dejaron su población insostenible, dicen los biólogos, y advierten que las próximas podrían ser las focas monje de Hawai y el Mediterráneo. La última vez que se divisó una foca monje del Caribe fue en 1952 entre Jamaica y la península del Yucatán. La Administración Nacional Atmosférica Oceánica confirmó el viernes que la especie se ha extinguido. Kyle Baker, biólogo de la administración, dijo que es la única foca extinguida por causas humanas. La foca había sido clasificada en peligro de extinción en 1967. La agencia federal dice que quedan menos de mil 200 focas monje hawaianas y 500 mediterráneas, y que su población declina. "Esperamos haber aprendido de la extinción de la foca monje del Caribe y que podamos suministrar mayor protección a sus familias hawaiana y mediterránea", dijo Baker. La población hawaiana está declinando a una tasa de un 4% anual, según la Administración. La agencia pronostica que podría caer por debajo del millar de ejemplares en tres a cuatro años. "Cuando la población se reduce demasiado, se torna muy inestable", afirmó Baker. "Son más vulnerables a amenazas como enfermedades y ataques de tiburones". La foca monje del Caribe (Monachus tropicalis), descubierta durante el segundo viaje de Cristóbal Colón en 1494, llegó a tener una población de 250 mil. Pero fueron presa fácil para los cazadores. En los siglos XVIII y XIX se las cazaba por su esperma, que era procesado para producir aceites de lubricación. Las pieles también eran preciadas. La foca monje de Hawai (Monachus schauinslandi) tiene una población de 80 a 100 animales en las principales islas hawaianas y mil 100 en las islas del noroeste, un monumento nacional marino, mayormente inhabitado.

Eugenio Montejo RIP(1938-2008)

Eugenio Montejo murió el pasado viernes día 6 en Caracas víctima de un cáncer. La noticia la dio ese mismo día su compatriota Gustavo Guerrero, que presentaba en la Feria del Libro de Madrid Conversación a la intemperie (Galaxia Gutenberg / Círculo de Lectores), una antología de seis poetas venezolanos que se cierra, justamente, con la obra de Montejo, uno de los autores latinoamericanos más influyentes de las últimas décadas. "Dura menos un hombre que una vela / pero la tierra prefiere su lumbre / para seguir el paso de los astros", dicen unos versos suyos recogidos en Muerte y memoria (1972), un título que resume bien una obra en la que una inquebrantable fe en la vida ilumina siempre el sentimiento de pérdida.

Nacido en la capital venezolana en 1938, Eugenio Montejo era hijo de un panadero cuyo obrador se convirtió en su primera escuela de literatura. No en vano, su ensayo más celebrado se titula El taller blanco. Criado en la Venezuela que cambió la agricultura por el petróleo, literariamente Montejo pertenece a la generación del medio siglo, la primera que abrió su mirada al mundo tras la caída, en 1958, del dictador Marcos Pérez Jiménez, el mismo, por cierto, que encargó a Camilo José Cela que escribiera su novela La catira. El poeta, que fue más tarde director literario de la editorial Monte Ávila y consejero cultural en la Embajada de su país en Lisboa, defendió siempre que los escritores pertenecen más a una época que a una geografía.

Jubilado y liberado de sus obligaciones diplomáticas, en los últimos años fue muy crítico con Hugo Chávez, al que acusaba de "violar todas las normas", empezando por el significado de las palabras. La cuestión no era baladí para un poeta que siempre consideró un enigma la mera existencia del abecedario. Alfabeto del mundo se llamó, de hecho, el volumen que en 1988 reunió sus seis primeros libros de poemas, tanto el que abrió su carrera en 1967 como el que marcó la primera mitad de su vida poética, Terredad (1978). Aquel poemario de título inequívoco fue la piedra de toque de un universo enigmático pero no hermético, hecho a la vez de claridad y de hondura. Así, en la obra de Montejo conviven las imágenes fulgurantes y el lenguaje cotidiano, la elegía y el erotismo. Los suyos son los versos de alguien que confía en la poesía (el canto) pero desconfía de los poemas (la escritura): "Alguna vez escribiré con piedras / midiendo cada una de mis frases / por su peso, volumen, movimiento. / Estoy cansado de palabras".

En 1997, Eugenio Montejo desembarcó en España con Adiós al siglo XX (Renacimiento). Dos años más tarde se consagró con otro de sus libros mayores, Partitura de la cigarra (Pre-Textos). Pero fue en 2003 cuando su popularidad se disparó en todo el mundo. Ese año se estrenó 21 gramos, la película de los mexicanos Alejandro González Iñárritu y Guillermo Arriaga. En una secuencia de aquel filme, que también hablaba de la muerte, Sean Penn recitaba a Naomi Watts estos versos de Montejo: "La tierra giró para acercarnos, / giró sobre sí misma y en nosotros, / hasta juntarnos por fin en este sueño".

Eugenio Montejo vivió pegado al mundo. En su obra las palabras adquieren la misma materialidad que los glóbulos de la sangre. Una forma terrenal de celebrar la vida. "Dura menos un pájaro / que un pez fuera del agua", seguía aquel poema de Muerte y memoria. Y terminaba: "Casi no tiene tiempo de nacer, / da unas vueltas al sol y se borra / entre las sombras de las horas / hasta que sus huesos en el polvo / se mezclan con el viento, / y sin embargo, cuando parte / siempre deja la tierra más clara".

Mel Ferrer RIP(1917-2008)

El actor estadounidense de origen puertorriqueño Mel Ferrer, primer marido de Audrey Hepburn, falleció el lunes en su rancho cercano a Santa Bárbara (California), a los 90 años, informó la prensa estadounidense.

Ferrer, cuyos títulos más recordados fueron 'The Brave Bulls' (1951) y 'Lili' (1953), y Hepburn estuvieron casados entre 1954 y 1968.

Coincidió con Hepburn en 'War and Peace' (1956) y más adelante enfocó su carrera hacia la producción y la dirección de películas. Dirigió a su esposa en 'Green Mansions' (1959).

Representaron en 1954 la obra de teatro 'Ondine', en Nueva York, y se casaron meses después en Suiza, en donde fijaron su residencia durante muchos años. En ese tiempo, Ferrer produjo uno de los grandes éxitos de Hepburn, 'Wait Until Dark' (1967).

El matrimonio tuvo un hijo en común, Sean, nacido en 1960.

Posteriormente, la intérprete se casó con el italiano Andrea Dotti.

Ferrer nació el 25 de agosto de 1917 en Elberon (Nueva Jersey), hijo de un doctor puertorriqueño.

Bo Diddley RIP(1929-2008)

El cantante y guitarrista Bo Diddley, uno de los pioneros del rock y autor de clásicos como "Before You Accuse Me", “You Can´t Judge A Book By Its Cover" y "Who Do You Love", murió hoy a los 79 años de un paro cardíaco en el estado norteamericano de Florida, informaron medios locales.

Su mayor contribución fue su característico ritmo 5 por 4 que sentó las bases para gran parte de la influencia blusera en la música rock de los 60 y 70. "Ese ritmo distintivo de tipo africano 5 por 4 fue tomado de Diddley por otros artistas y fue un elemento distintivo y recurrente en el rock and roll a través de las décadas", afirmó el Salón de la Fama del Rock en Cleveland, estado norteamericano de Ohio, que incorporó al blusero nacido en Mississippi en 1987.

Diddley fue contemporáneo de Chuck Berry, Fats Domino y Elvis Presley y afirmaba haber sido quien inspiró el término "rock ´n´ roll", acuñado por primera vez por el DJ Alan Freed, quien según Diddley lo presentó diciendo: "Aquí hay un hombre con un sonido original quien hará rock y los hará saltar ("rock and roll") de sus asientos". Su verdadero nombre era Otha Ellas Bates y solía actuar con un sombrero y lentes negros. Se hizo conocido en 1958 con el álbum Bo Diddley. Otros de sus hits son "Who Do You Love", "Mona" y "I´m a Man". En 2004 fue incorporado al Salón de la Fama del Blues. En 1998 recibió un Grammy honorario por su obra. También tuvo un pequeño papel en la película Blues Brothers 2000, al lado de Dan Aykroyd.

Diddley había sufrido un ataque al corazón en agosto, tres meses después de sufrir una apoplejía que afectó su capacidad para hablar. Además, tenía diabetes. Hasta que sufrió la apoplejía, seguía tocando en giras y grabando, quejándose de que todos los honores que recibió nunca "sumaron números a la chequera".

El músico influyó a generaciones enteras de músicos de rock. No sólo los Rolling Stones lo mencionaban una y otra vez como uno de sus modelos. Al cumplir 30 años sobre el escenario, en 1985, se acercaron varios famosos: desde Ron Wood hasta el antiguo Beach Boy Carl Wilson y Mick Fleetwood. Sobre todo las bandas británicas de los 60 tomaron a Diddley como modelo. Incluso las generaciones más jóvenes de músicos lo admiraban. Es así como, a los 50 años, se fue de gira en 1979 con los músicos punk de The Clash, y los Jesus and Mary Chain le dedicaron una de sus canciones.

Yves Saint Laurent RIP(1936-2008)

Yves Saint Laurent, uno de los diseñadores de moda más importantes del siglo XX, fundador de la marca de ropa de alta costura que lleva su nombre, ha fallecido este domingo en París a los 71 años de edad. Saint Laurent era considerado uno de los últimos símbolos de la generación de modistos que hizo de París la capital mundial de la moda, junto con otros como Christian Dior y Coco Chanel. Su muerte se produjo a las 23.10 horas después de una larga enfermedad, según su antiguo socio y amante Pierre Bergé desde 1957.

Nacido en Orán (Argelia), el 1 de agosto de 1936, Saint Laurent anunció su retirada del diseño en enero de 2002, tras pasar a la historia como el primer modisto que expuso su trabajo en un museo, el Metropolitan de Nueva York, que en 1983 dedicó una muestra a sus creaciones. El Museo de Bellas Artes de Pekín exhibió también sus obras en 1985, y en 1986 el Museo de la Moda de París, enclavado en el Louvre, le ofreció una retrospectiva.

Saint Laurent cambió para siempre la manera de vestir de las mujeres, imponiendo en la alta costura un estilo más adecuado a la vida contemporánea, de clara inspiración masculina, con modelos como su celebrado esmoquin de mujeres, sus vestidos trapecio o su blusa de tul transparente, con la que hizo su aportación a la revolución sexual.

Una historia de éxitos

Su carrera comenzó a los 18 años, cuando entró a trabajar en la firma Christian Dior. Tras la muerte de Dior, en 1957, le sustituyó al frente de la firma, convirtiéndose en el modisto más joven de la alta costura francesa. Su carrera en esta casa concluyó en 1960, cuando fue llamado para cumplir con el servicio militar francés.

Terminadas sus obligaciones con la milicia, en 1962 volvió a París con la intención de incorporarse de nuevo a Dior, pero la casa le había sustituido por Marc Bohan. Saint Laurent demandó a la empresa por daños morales y con el dinero de la indemnización creó su propia casa de costura en asociación con Pierre Bergé, que se encargó de la gestión financiera y comercial.

La primera colección de la firma, de ese mismo año, se convirtió en un éxito instantáneo. Sus líneas de los años 60 destacaron por la incorporación del esmoquin al vestuario de la mujer y la innovación en el prét-a-porter femenino. En esa época diseñó decorados y trajes para películas y obras como Cyrano de Bergerac y La Pantera Rosa, mientras convertía a Catherine Deneuve en icono de estilo y musa personal.

En 1967 lanzó los bucaneros y poco después las bermudas. De 1970 son el blazer y la espalda al aire, y siete años después abrió la era de las tendencias orientales y folclóricas.

Su afición al arte le llevó a homenajear a maestros como Mondrian, Picasso y Braque con vestidos que reproducen sus motivos. Una exposición en La Coruña (febrero de 2008) ilustraba esta influencia en su trabajo, reuniendo sus diseños junto con obras de arte que los inspiraron.

Retirada paulatina

La casa de modas Yves Saint Laurent se diversificó en cuatro vertientes. Además de la alta costura, lanzó en 1966 el pret-à-porter, una línea más asequible dirigida a una clientela más amplia. La tercera vertiente fue la fabricación de complementos bajo licencia: los fabricantes de pañuelos, bisutería o artículos de cuero se peleaban para llevar la sigla YSL en la etiqueta de sus productos. Entró también en el mercado de cosméticos con varios perfumes como Y, Rive Gauche y Opium.

En 1998, la firma LVMH adquirió por cerca de 5.000 millones de francos (910 millones de dólares) la marca Yves Saint Laurent. Un año después, la empresa italiana Gucci adquirió el Grupo Sanofi Beauté, propietario de YSL, por mil millones de dólares, lo que supuso un nuevo episodio de cambios empresariales en el mundo de la moda.

A lo largo de su carrera, Yves Saint Laurent recibió numerosos premios. En 1985 fue condecorado con la Legión de Honor francesa por el presidente François Mitterrand, y anteriormente había obtenido el Oscar Neiman Marcus de la Costura (Dallas, 1958) y el Harper's Bazaar (EE UU, 1966).

En enero de 2002, a los 65 años, el diseñador dijo adiós a la moda con un último desfile en el que presentó una retrospectiva de sus 40 años de creación. Su casa de modas se convirtió en 2004 en la Fundación Pierre Bergé-Yves Saint Laurent.